Kassettenkultur: April 2023

Aug 06, 2023

Cassette Culture ist eine monatliche Kolumne, die sich der Erkundung der verschiedenen Künstler widmet, die auf dem expansiven Kassettenmarkt tätig sind. Diese Kolumne basiert auf Bands und Labels aus der ganzen Welt und versucht, einige der besten Künstler und Alben dieser globalen Community hervorzuheben.

Heejin JangMe and the Glassbirds (Doom Trip Records)

Die koreanische Produzentin Heejin Jang schwelgt in der Klangmanipulation, den mutierten Impulsen ihrer eigenen kreativen Prozesse und der Art und Weise, wie sie sich im Verhältnis zueinander verändern. Ihr neues Album „Me and the Glassbirds“ ist ein wunderschönes, gelassenes und manchmal erschütterndes Porträt apokalyptischen Ausdrucks. Während sich die Welt um uns herum immer weiter in Spaltung und Chaos aufzulösen scheint, nutzt Jang sowohl brutale als auch ruhige elektronische Atmosphären und temperamentvolle perkussive Elemente, um den allmählichen sozialen und emotionalen Zusammenbruch zu dokumentieren, der sie in jedem Moment umgibt. Sie besitzt die beunruhigende Fähigkeit, die wilde Anmut ihrer kreativen Instinkte zu nutzen und ihnen Raum zu geben, sich frei von Zwängen oder Anweisungen zu bewegen, selbst wenn Phasen der erholsamen Ruhe auftauchen und ohne Vorwarnung verschwinden.

Das Album widersetzt sich jeglicher konventioneller Herangehensweise, lehnt es ab, sich an formelhafte Genrebezeichnungen zu halten oder lässt auch nur viele konkrete Assoziationen zu. Diese Geräusche sind taktiler und passen besser zu körperlichen Erfahrungen. Durch die Verschmelzung vertrauter Klänge mit solchen, die eindeutig unsere Sinne herausfordern sollen, fordert Jang uns auf, uns auf eine Art und Weise mit ihr und der Musik auseinanderzusetzen, die wir nicht gewohnt sind, auf eine Weise, die uns dazu drängt, ihre Arbeit aus ihren eigenen Sichtweisen zu betrachten, anstatt sie durch unsere eigenen zu filtern Verständnis. Nicht, dass sie sich weigert, eine persönliche Interpretation zuzulassen; Sie besteht einfach sehr darauf, der Musik Zeit zu geben, in ihrem eigenen Ökosystem zu erblühen, und lässt jeglichen Ballast, den wir mit uns herumtragen, draußen. Wir werden durch verschiedene Begegnungen geführt, von denen jede schwer fassbarer und faszinierender ist als die andere – bis Jang uns schließlich, als alles enthüllt ist, dazu einlädt, alles zu hinterfragen, was wir gerade gesehen haben.

Ich und die Glassbirds von Heejin Jang

Goodparley & ShreddiesSoundtrack und Marine (Superpolar Taïps)

Cassingles sind in der Welt des deutschen Labels Superpolar Taïps, einem kleinen Label mit Fokus auf experimentelle Popmusik, lebendig und wohlauf. Während der verschiedenen COVID-Lockdowns lud das Label verschiedene Künstler ein, zusammenzuarbeiten und zu dieser fortlaufenden Tape-Serie beizutragen. Für Soundtrack und Marine (Cassingle #31) brachten sie den in London lebenden Musiker Oli Richards (alias Goodparley) und den walisischen Künstler Josh Dickins (alias Shreddies) zusammen, um zwei Tracks voller verträumter Pop-Elektrolyse zu kreieren. Während Richards hypnotische Töne aus Ambient-Gitarrenloops und Klangmanipulations-Hardware erzeugt, formt Dickins elektronische Klänge zu einer Reihe durchsichtiger Tanzflächen-Enthüllungen.

„Soundtrack for a Hummingbird“ und „Marine Blue“ zeigen die Stärken jedes Künstlers, wobei ersterer vertrautere melodische Gewässer betritt und letzterer tiefer in kompliziertere Schaltungstiefen vordringt. Sie spielen perfekt gegeneinander, zeichnen die komplizierten Geschichten nach, die Richards' Werk stützen, und beleuchten die synaptischen Impulse, die das Herzstück von Dickins' Musik speisen. Soundtrack und Marine sind ein idealer Ausgangspunkt, bevor man tiefer in die Diskografie eines der beiden Musiker eintaucht. Diese Veröffentlichung ist eine erhabene Verwirklichung von Popmusik, die sich weit links von der Mitte bewegt, und ermöglicht es Ihnen, an dem schwindelerregenden Entdeckungsgefühl festzuhalten, das nur dann aufkommt, wenn Sie etwas wirklich Besonderes finden, das Sie sofort mit jedem in Hörweite teilen möchten.

Soundtrack und Marine (Cassingle #31) von Goodparley x Shreddies

Uton & Bardo TodolBday Trompetenlampe (steiler Glanz)

Auf manchen Alben kann man sich völlig in ihren seltsamen Wundern verlieren – und das ist sicherlich bei Bday Lampazo Trompetam der Fall, der neuen Kassettenkollaboration von Uton (finnischer Musiker Jani Hirvonen) und Bardo Todol (argentinischer Künstler Pablo Picco). Gefüllt mit einer Auswahl akustischer Instrumente, die um einige Feldaufnahmen aus Turku (Finnland) und Salsipuedes (Argentinien) tanzen, beschwört das Band weite Landstriche in verschiedenen Gefilden herauf, während diese Klänge manipuliert werden, um eine schwindelerregende Reihe emotionaler Reaktionen hervorzurufen. Jedes Lied könnte als einzelne Szene in einem Film oder als Schnappschuss zum Durchblättern in einem Fotoalbum angesehen werden.

Durch die Mischung von Elementen des Free Jazz, der Musique Concrete und einer Art gebrochener Folk-Ästhetik wirken die Songs wie lebendige Wesen, deren Ausatmen von klopfenden Herzen und prickelnden Sinnen begleitet wird. Sie bewegen sich und blühen auf, behaupten sich und ziehen sich dann zurück, wobei die Musik keinerlei Genregehorsam erkennen lässt. Je tiefer Sie in Bday Lampazo Trompeta eintauchen, desto wilder und kaleidoskopischer werden die Atmosphären und verdeutlichen, wie sich die beiden Impulse von Uton und Bardo Todol gegenseitig ergänzen und nähren. Als der letzte Titel in die Stille übergeht, hat man den Eindruck, man sei Zeuge einer akustischen Darstellung der ausgedehnten Naturräume geworden, und man brennt darauf, so schnell wie möglich noch einmal einzutauchen.

Bday Lampazo Trompete von Uton & Bardo Todol

Joseph BlaneThe Spider Room (Submarine Broadcasting Company)

„The Spider Room“ von Joseph Blane ist ein verblüffendes und fesselndes Hörerlebnis, das man nicht so schnell vergisst und das sich fest in Ihrem Unterbewusstsein festsetzt, um es weiter zu erforschen. Diese zweispurige Veröffentlichung, die Ende letzten Jahres veröffentlicht wurde – ich entdecke gerade erst ihre wundersamen Kuriositäten – verblüfft durch ihre Improvisationen, die in einem verlassenen Schulgebäude aufgenommen und aus Gitarrenschleifen und allen Instrumenten geformt wurden, die Blane im verlassenen Musikzimmer herumliegen fand: „ nämlich ein Old-School-Klavier, eine verstimmte Geige, eine schmutzige irische Flöte, eine stinkende Mundharmonika, ein kaputtes Glockenspiel und ein perkussives Ei.“ Er überspielte die Gitarrenparts mit improvisierten Darbietungen dieser vergessenen Musikinstrumente und schuf „Part I / Beneath the Dust“ und „Part II / Above the Dust“.

Diese beiden langen Stücke sind tiefgründige Aussagen über das Gefühl der Verlassenheit und der mangelnden Sorge um das, was wir zurücklassen. Ob das Blanes Absicht war oder nicht, steht zur Debatte, aber ich habe den Eindruck, dass die vernachlässigte Umgebung die Richtung seiner spontanen Kompositionen stark diktierte. Diese Lieder sind gruselig, geheimnisvoll, sogar ein bisschen Soundtrack-artig. Dennoch bleiben sie überzeugende Perspektiven auf situative Kreativität und Oden an das, was erreicht werden kann, wenn man sich völlig dem Diktat der verinnerlichten Schöpfung hingibt. Blane hat sich vielleicht von der Musik leiten lassen, aber „The Spider Room“ fühlt sich wie eine einzigartige Aussage eines Künstlers an, der alle seine völlig unvorhersehbaren Instinkte unter Kontrolle hat.

Das Spinnenzimmer von Joseph Blane

AssassunChronic Quicksand Depression Morning (Blackjack Illuminist Records)

Unter dem Deckmantel von Assassun wagt sich der in Berlin lebende Musiker Alexander Leonard Donat in Synth-Punk- und Euro-Gothic-Territorien vor, so einfach wie das Überqueren der Straße. Sein neuestes Album, Chronic Quicksand Depression Morning, ist ein EBM-Monster voller zappelnder Beats, geschriener Vocals und dem Wunsch, die knalligen Konturen der Theatralik des elektronischen Pops zu erkunden. In seinen nachdrücklichen Rhythmen steckt ein wenig Camp, ein Sinn für melodische Verschmitztheit, der nicht ganz erklärt werden kann, aber ein allgegenwärtiger Geist ist, der diese Lieder leitet. Aber Donat schwelgt hier nicht in Pomp oder unnötiger Opulenz – die Musik kann wie ein Presslufthammer einschlagen und dennoch eine Menge spontaner Körperbewegungen hervorrufen.

Er nimmt die düsteren Umgebungen des New Wave und lässt sie zu ausdruckslosen Ausdrucksformen emotionaler Distanzierung erblühen. Er zieht diese Klänge zu ihren logischen (und oft extremen) Schlussfolgerungen und lässt sie ohne Rücksicht auf ihre endgültigen Iterationen verdrehen und mutieren. Wenn man sich diese Lieder anhört, kann man sich an neonfarbene Himmelslandschaften und schmuddelige Club-Tanzflächen erinnern, die um 2 Uhr morgens voll sind. In diesen Tracks herrscht eine ständige Bewegung, ein Gefühl offener Körperlichkeit, das die Musik dazu bringt, bis ins Mark der Knochen vorzudringen. Ich weiß nur, dass Sie nach dem Hören dieser Lieder wahrscheinlich von dem unwiderstehlichen Verlangen überwältigt werden, Ihren Körper durch alle möglichen Verrenkungen zu bewegen – und zwar so lange wie möglich.

Morgen mit chronischer Treibsanddepression von ASSASSUN

Ben HallWindbag(Mittlerer Ton)

Ben Hall sieht unsere Lunge als ein weiteres Instrument, durch das er faszinierend vielfältige musikalische Impulse kanalisieren kann. Alles begann mit dem Atem, und Hall möchte sich auf die Fähigkeiten dieser Organe konzentrieren. Sein neuestes Projekt, Windbag, ist ein einzelner, fast 32 Minuten langer Track, der sich um die Funktionen der Ausatmung dreht. Hall erklärt: „Dieses Stück wurde erstmals 2012 im Rahmen von Rirkrit Tiravanijas ‚Making Without Objects‘-Kurs an der Columbia University aufgeführt. Die Aufnahme auf dieser Veröffentlichung ist eine Kombination aus einer Aufnahme während dieses Kurses und einer Aufführung im MOCAD, Museum of.“ Zeitgenössische Kunst Detroit, im Jahr 2015. Das Album ist ein Ambient- und Impressionist-Album, das sich mit Themen wie Trance-Induktion und Kosmiche-Initiation beschäftigt und eine beeindruckende und überzeugende künstlerische Aussage darstellt.

Windbag lässt sich am besten mit geschlossenen Augen und auf die natürlichen Frequenzen eingestellten Sinnen beobachten. Windbag trägt Sie durch seine dröhnenden Töne in die Höhe und auf der Suche nach ursprünglicher emotionaler Verbindung. „Die Komposition ‚Windbag (für 36 Lungensätze)‘ ist eine Antwort auf die Frage, was für beide Kulturen und Fähigkeiten der für beide Seiten am besten zugängliche Klangerzeugungsprozess ist. Die Antwort ist der Atem“, verrät Hall. Durch diese sich wiederholenden Rhythmen und murmelnden Echos entdeckt er eine neue musikalische Sprache, die auf einer sensorischen Ebene operiert. Man hört Windbag nicht einfach zu; Sie leben sich durch die gewundenen rhythmischen Konturen und finden Offenbarung, wenn jeder Moment abgewickelt und zurückgespult wird, bevor er schließlich wieder im Nichts verschwindet.

Windbag von Ben Hall

OhrLuma/Chroma (Klang als Sprache)

Die Arbeit des in Berkeley lebenden Künstlers George Cory Todd ist eine Hommage an das breite Spektrum der digitalen Produktion und ermöglicht es ihm, alle Aspekte der visuellen und akustischen Produktion, Technik und Performance zu erkunden. Als Ohr nimmt Todd die Grenzen zwischen Ambient, Dub, Techno und sogar Jazz auf und kreiert einen Sound, der ebenso detailreich wie unklassifizierbar ist. Mit der Veröffentlichung von Luma/Chroma verzichtet er weiter auf bekannte Ansätze experimenteller Musik und übergießt alles mit Unmengen an Drum'n'Bass-Nervosität. Diese Lieder rasseln und hallen auf engstem Raum wider, eng im Fokus, aber weitreichend in der Interpretation.

Die Tempi schwanken stark, sind konsistent in ihrer Fließfähigkeit und bieten gleichzeitig die Möglichkeit, emotionale Tiefen zu erkunden, die für das Genre (oder die Genremischung) eher ungewöhnlich sind. Von einfachen metronomischen Percussions und elektronischen Schauern bis hin zur Bildung formloser Klanglandschaften, die eine beträchtliche Einsamkeit ausstrahlen, bietet Todd einen fesselnden Einblick in die Komplexität dieses unkalibrierten Lärms. Egal, ob Sie das Gefühl haben, durch das Innere eines großartigen mechanischen Geräts zu wandern oder Ihre Unsicherheiten auf einer dunklen und kakophonen Tanzfläche auszuschwitzen, Luma/Chroma beschränkt Sie nicht auf einen Umstand, während Sie sich in seine Rhythmen einschließen. Diese Lieder entstehen mühelos aus unterschiedlichen Bewegungsabstufungen und ziehen sich ebenso leicht in diese vergänglichen Unterstrukturen zurück.

Luma/Chroma von Ohr

Joanna MattreySoulcaster(Notice Recordings)

Die Klänge, die eine Bratsche erzeugen kann, sind erstaunlich. Fragen Sie einfach John Cale – oder fragen Sie alternativ die in Brooklyn lebende Komponistin Joanna Mattrey. Ihre Beherrschung und Symbiose mit diesem Instrument hat es ihr ermöglicht, große Klangflächen zu zaubern, die wie parallele Dimensionen klanglicher Taktik nachklingen. Auf ihrem neuesten Album, dem gebrochenen und erschütternden Soulcaster, zerlegt sie das Instrument praktisch und baut es nach Belieben wieder zusammen. Zusammen mit einer Tromba Marina (einem dreieckigen Streichinstrument, das gelegentlich auch als Meerestrompete oder Nonnengeige bezeichnet wird) erzeugt und filtert sie diese Klänge durch verschiedene Präparate aus Styropor, Plastikspielzeug, Ketten und anderen nicht identifizierten Objekten und entwickelt so eine Perspektive voller Ehrfurcht vor seinen Ursprüngen, aber auch voll und ganz der Dekonstruktion derselben Vorfahren verpflichtet.

Angesichts des Titels, der Brandon Sandersons Buchreihe „The Stormlight Archive“ entnommen ist – in der „Soulcaster“ als etwas definiert wird, das in der Lage ist, eine Sache in eine andere zu verwandeln – ergibt es Sinn, dass Mattrey ihre Bratsche auf ähnliche Weise behandelt. Manchmal hört es sich an, als würde sie in den höhlenartigen Schlund einer mechanischen Monstrosität einladen, deren Zahnräder knirschen und sich die internen Mechanismen asynchron drehen; Abwechselnd gibt es Momente, in denen eine raue Schönheit zum Vorschein kommt, eine schreckliche und eindringliche Anmut, die sich aus dem Lärm von Mattreys Unterbewusstsein erhebt. Das Album wird weniger zu einer Übung strenger Technik als vielmehr zu einem Experiment, wie man musikalische Erwartungen auslöschen und die Parameter eines bestimmten Musikinstruments neu definieren kann.

Soulcaster von Joanna Mattrey

Evan Lindorff-ElleryChurch-Aufnahmen von Monhegan (Full Spectrum Records)

Im Sommer 2021 besuchte Evan Lindorff-Ellery, Miteigentümer und Experimentalmusiker von Notice Recordings, seine Familie in Maine, und während er dort war, brach er zu einer vor der Küste gelegenen Monhegan-Insel auf, wo er die Monhegan Community Church besuchte. Er entwickelte eine Faszination für diesen physischen Raum und beschloss, seine Erfahrungen dort zu dokumentieren. Lindorff-Ellery hat diese Langformkompositionen in Form der zweispurigen Church Recordings von Monhegan geschaffen, damit wir hören können, was er gehört hat, und fühlen können, was er gefühlt hat. Er nutzte das, was ihm zur Verfügung stand, um uns noch tiefer in die Atmosphäre der Kirche einzubeziehen, indem er Muschelschalen, Seeglas, Bücher, eine Rahmentrommel, eine Akustikgitarre, ein kleines Klavier, Metallglieder, Holz, Plastik und sogar eigene Körperbewegungen einsetzte Detaillieren Sie den Raum auf eine Weise, die auf einer rein emotionalen Wellenlänge schwingt.

Das Album ist die Heimat von „Evening“ und „Morning“ und nutzt bei seiner Entstehung natürliche Zyklen. „Evening“ wurde aufgenommen, als es regnete und das Licht verblasste, was dem Ganzen ein elegisches Gefühl verlieh, von Erinnerungen und Erlebnissen, die sich in der Vergangenheit verlieren. Der Track ist oft nicht mehr als ein Flüstern und bietet einen Einblick in eine fesselnde Umgebung, die durch unsere Aufmerksamkeit und unser Engagement in der Schwebe gehalten wird. „Morning“ wurde – wie Sie vielleicht schon vermutet haben – am nächsten Morgen aufgenommen, als frühes Sonnenlicht durch die Kirchenfenster schien. Es weicht in seinen subtilen Bewegungen nicht allzu weit vom vorherigen Titel ab, vermittelt aber dennoch ein Gefühl von Erneuerung und Anfängen, von kleinen Momenten, die dramatische Ereignisse ankündigen, die noch bevorstehen. „Church Recordings from Monhegan“ ist wunderschön und unglaublich nuanciert in der Ausführung, präsentiert uns aber dennoch eine vollständig gestaltete Welt, die wir erkunden und erforschen können.

Kirchenaufnahmen aus Monhegan von Evan Lindorff-Ellery

Agnes HausFortsetzung(Opal Tapes)

Die in Brighton lebende audiovisuelle Künstlerin Agnes Haus hat eine Affinität zu analoger Musikausrüstung und Grafikdesign und findet Zeit, sich beiden kreativen Leidenschaften hinzugeben, während sie verschiedene gebrochene elektronische Landschaften schafft und malerische Bilder konstruiert, die sowohl euphorisch als auch wunderschön erschütternd sind. Für ihr Debütalbum bieten sie Sequel an, eine 10-Track-Sammlung lauter Atmosphären, die zwischen eher melodischen Grübeleien und solchen ohne bekannte rhythmische Rahmenbedingungen balanciert. Minimalismus und etwas, das an zersplitterten Elektro-Pop erinnert, bilden hier die Grundlagen, wobei Haus zu widersprüchlichen und sympathischen Wahrsagungen einlädt, die von der inhärenten emotionalen Formbarkeit der Musik sprechen.

Ganz gleich, ob es sich um die Untermalung eines Gothic-Stummfilms handelt oder um eine akustische Meditation über innere geistige Desorientierung: „Sequel“ strebt nicht danach, Antworten zu geben – es deckt Fragen auf, die wir noch nicht beantwortet haben, und verlangt, dass wir die möglichen Wege in Betracht ziehen, auf denen Antworten gefunden werden könnten . Das gesamte Album fühlt sich ein wenig wie ein Rorschach-Test an, ein riesiges impressionistisches Muster, das unsere musikalische Schärfe und unsere emotionalen Assoziationen testen soll. Sie können sich seinen hypnotisierenden (und oft abweichenden) Rhythmen hingeben oder sich auf sie einlassen und daran arbeiten, die inneren Mechanismen zu entdecken, die diese Klänge vorantreiben. Hier gibt es keinen Raum für passives Beobachten; Sie machen mit, oder die Musik lässt Sie ohne einen zweiten Blick zurück.

Fortsetzung von Agnes Haus

StrahlteilerSplit Jaw (Tripticks Tapes)

Beam Splitter ist die Methode, mit der die Musiker Audrey Chen und Henrik Munkeby Nørstebø verstärkte Stimme, Posaune und analoge Elektronik nutzen, um ihren immer schneller werdenden musikalischen Impulsen gerecht zu werden. Auf ihrer neuesten Tape-Veröffentlichung „Split Jaw“ bietet das Duo sowohl Studio- als auch Live-Material und kombiniert den realitätsverzerrenden Minimalismus von „Purple Mouth“ – entwickelt im Rahmen des Projekts „OMA“ mit Unterstützung der Initiative Neue Musik Berlin – mit dem Live-Performance-Improvisation von „Breastbone“ und „Down to Rock and Up to Fire“, aufgenommen beim Festival Music Unlimited in Wels, Österreich im November letzten Jahres. Diese drei Tracks zeigen das Talent der Band für konzeptionelle Experimente, die dissoziative Klänge in etwas Aufschlussreiches verwandeln, das einer weiteren Analyse bedarf.

Aber „Split Jaw“ bietet mehr als nur klinische Bewertungen – die Musik ermöglicht es Ihnen, ohne Rücksicht auf Genregeschichten zu erforschen, und gibt Ihnen völlige Freiheit, die Musik auf ihre eigenen Art und Weise anzugehen. Gerade als die Stille eines bestimmten Augenblicks hier unerträglich wird, hörst du einen schwachen Schimmer einer Bewegung, ein ängstliches Geräusch am Rande deines Bewusstseins, das nicht mehr als ein Flüstern erzeugt. Und dennoch enthält dieses Flüstern eine Menge. Ob im Studio oder auf einer improvisierten Bühne, Chen und Nørstebø machen sich diese rhythmische/arrhythmische Strenge zunutze und verleihen ihrer Zwillingskreativität durch diesen wunderbar fragmentierten Lärm eine Stimme. Es ist sowohl herausfordernd als auch einladend, ein akustisches Rätsel, das darauf wartet, gelöst zu werden, und bereit, einen letzten Hinweis darauf zu geben, was diese beiden Künstler dazu antreibt, diese abstrakten Umgebungen zu schaffen.

Geteilter Kiefer durch Strahlteiler

Spherule TrioThere Will Always Be Instruments(Orb Tapes)

Bestehend aus Patrick Shiroishi am Saxophon, Kevin Sims am Schlagzeug und Lucas Brode an der Gitarre (und offenbar Schraubenziehern) macht das Spherule Trio Musik, die irgendwo zwischen direkter Improvisation und gesteuerter Spontaneität schwebt. Auf ihrem Debütalbum „There Will Always Be Instruments“, das 2021 aus der Ferne aufgenommen wurde und jetzt über Orb Tapes veröffentlicht wird, sind „There Will Always Be Instruments“ enthalten. Die Songs wurden Stück für Stück aufgebaut, wobei jeder Musiker das, was ihm zugesandt wurde, ergänzte, geleitet von verschiedenen visuellen Hilfsmitteln, die als Hinweise dafür dienten, wie sich die Musik entwickeln sollte. Es gab einen allgemeinen Weg, aber die Sounds waren alle improvisiert, was zu einem 4-Track-Set führte, das zwischen chaotischen Experimentierphasen und Momenten schwankt, die manchmal zurückhaltend und sogar introspektiv wirken.

In die lauten Abgründe dieser Lieder zu fallen, bedeutet, die gebrochene Natur der kollektiven Inspirationen der Künstler zu akzeptieren und sich in einem riesigen Gitter aus aufeinanderprallenden Rhythmen und widersprüchlichen emotionalen Katharsis zu umgeben. Shiroishis Saxophon trällert, hupt und flüstert, während Sims eine klappernde Atmosphäre aus zersplitterten, perkussiven Ermahnungen erzeugt. Brode wirft ein wenig die nötige Aufregung ein, indem er Abstand zwischen den einzelnen Personen schafft und es niemandem ermöglicht, über einen längeren Zeitraum im Rampenlicht zu stehen. Bei diesen Songs geht es um Zusammenarbeit, nicht um Individualismus – There Will Always Be Instruments blickt neugierig auf die kreativen Impulse hinter der Musik, schwelgt im Zusammenspiel jedes Einzelnen und strebt danach, die verborgenen Geheimnisse zu entdecken, die ihren Schaffensdrang beflügeln.

„There Will Always Be Instruments“ von Spherule Trio

LionmilkIntergalactic Warp Terminal 222 (Aufzeichnungen hinterlassen)

Für den Musiker und Produzenten Moki Kawaguchi aus Los Angeles ist Musik nicht nur eine Ansammlung zufälliger oder synkopierter Klänge – sie ist eine Möglichkeit, uns selbst zu untersuchen und Probleme zu lösen, die unsere Lebensqualität beeinträchtigen. Diese Art von Achtsamkeit ist seiner Arbeit eingeprägt. Schauen Sie sich nur I Hope You Are Well: Kawaguchi aus dem Jahr 2021 an, bei dem Kassettenkopien persönlich an Ihre Lieben verteilt wurden, um mit ihnen in Kontakt zu treten, während die Pandemie weiter wütete. Es war seine Art, Beziehungen aufrechtzuerhalten, zu einer Zeit, als Vorstellungen von sozialer Distanz und abgelegenen Berufen noch vorherrschend waren. Er sehnte sich nach der Art von Heilung, die nur durch taktile Empfindungen, gemeinsame emotionale Assoziationen und das Zusammenkommen von Körpern mit gemeinsamen Neigungen erreicht werden kann.

In Zusammenarbeit mit Leaving Records hat er kürzlich das Intergalactic Warp Terminal 222 geteilt, eine weitere Reihe kosmischer Atmosphäre, die sich auf persönliche Entwicklung und Heilung konzentriert. Wenn er über seine Musik spricht, erklärt Kawaguchi, dass ihre Entstehung eine Form der Selbstfürsorge sei, dass dieser Akt des Ausdrucks ihm ein gewisses Maß an Ruhe verschafft, in dem er sich Zeit nehmen könne, sich zu beurteilen und neu zu orientieren. Er ritt auf Wellen elektronischer Gelassenheit, die auf den Grundlagen anderer, weniger offensichtlicher Genres (Jazz, Hip-Hop) aufbauten, und etablierte diese Klänge als emotionale Vermittler, Dirigenten für die innere Neuausrichtung und Gastgeber riesiger Reservoire komplizierter Offenbarungen. Er hat keine Angst davor, tiefer in die oft byzantinische Natur unserer gesammelten Erfahrungen einzutauchen, und dieses Album zeigt, dass die Antworten, nach denen wir suchen, möglicherweise in den komplexen Konturen unseres eigenen Unterbewusstseins liegen.

Intergalaktisches Warp-Terminal 222 von Lionmilk

EmerMeersalz (Lillerne Tapes)

Das in Brüssel ansässige Projekt Emer ist die Idee der in Litauen geborenen Musikerin Marija Rasa, einer Musikautorin, deren Arbeit Elemente der klanglichen Räumlichkeit, Textur und Fragilität erforscht. Sie studierte am Institut für Sonologie in Den Haag und experimentierte anschließend mit akusmatischen Klängen und Mehrkanalinstallationen. Die von ihr geschaffenen Klanglandschaften sind zart, aber von enormer emotionaler Resonanz durchdrungen, komplex und voller Freude an den endlosen Möglichkeiten des Lebens. Ihr neuestes Album unter dem Namen Emer, Sea Salt, ist ein kurzer Abstecher in die grenzenlose Welt des elektronischen und Pop-Minimalismus: Stimmen tanzen im Hintergrund, während hypnotisierende Rhythmen durch formlose Welten unbestimmbarer Form und Absicht gleiten – und alles ist so wunderschön.

Diese Songs sind oft zu dynamisch, um einfach als Ambient bezeichnet zu werden, und in ihrer Ausführung viel zu transparent, um dem Gewicht der Pop-Geschichte standzuhalten. Sie sind ein prismatisches Juwel von unerkennbarer Dimension. Sie werden als „große Stücke, die mit Sorgfalt und viel Bedacht vorgetragen wurden“ beschrieben, und dieser Einschätzung würde ich (mit einer Einschränkung) zustimmen. Ich möchte klarstellen, dass sie im emotionalen Bereich „groß“ sind und weniger in Bezug auf die offensichtliche Theatralik. Diese Musik erregt keine Aufmerksamkeit; Es wird nicht versucht, Sie mit konkreten Erkenntnissen zu überhäufen. Stattdessen hat Rasa eine Galaxie aus sanft wogenden Klanglandschaften geformt, in denen die Stimmen durch Nebel amorpher Melodien wandern, während wir uns mit dem anhaltenden Wunsch beschäftigen, tiefer in diese himmlischen Räume einzutauchen.

Meersalz von Emer

Clang QuartetA Slow Death For The Peacemaker(Strange Mono / No Rent Records)

Scotty Irving, ein Außenseitermusiker aus North Carolina, hat sich zum Ziel gesetzt, die oft bestehenden Mauern einzureißen, die das Publikum vom Künstler trennen, sowie die Vorstellung, dass Musik in ihrem Umfang oder ihrer emotionalen Resonanz begrenzt sei. In der Vergangenheit verwendete Irving Straßenschilder als Schlagzeug, Gartengeräte aus Metall als Instrumente und eine Maske als Vehikel für kleine Glocken. Bei seinen Aufnahmen als Clang Quartet hat er die traditionellen Mittel des Schaffens schon lange aufgegeben und stattdessen alles genutzt, was in seiner Reichweite war. Er machte diesen Lärm weiterhin, nachdem bei ihm Krebs diagnostiziert wurde, und „A Slow Death For The Peacemaker“ ist das Ergebnis dieser anhaltenden Suche nach musikalischer Authentizität, eine Sammlung von vier Titeln, die zwischen industriellem Lärm und intensiver persönlicher Dekonstruktion schwanken.

So erschütternd und metallisch diese Lieder zuweilen auch sein mögen, Irving verliert nie die Tatsache aus den Augen, dass hinter diesen musikalischen Mutationen nachvollziehbare Emotionen stecken müssen. Und durch diese chaotische Masse von Notizen und verzerrten Perspektiven fließen Ströme von Wut, Frustration, Unsicherheit und Bedauern – und diese Ausdrücke fühlen sich besonders offen und unverblümt an, da sie nach seiner jüngsten Enthüllung über den Gesundheitszustand entstehen. Es gibt Wellen, die aufsteigen und sich über Ihre Sinne brechen, starke Strömungen, die drohen, Sie aufs Meer hinauszuziehen, und es gibt nichts anderes, als sich ihren Gezeitenkräften hinzugeben. Mit jedem erneuten Aufschwung kommt das Vergessen, ebenso wie der gegensätzliche Wunsch, sich seiner geschwärzten Unendlichkeit zu widersetzen. Es ist unklar, was die Zukunft für das Clang Quartet bereithält, obwohl Irving der Zukunft weiterhin positiv entgegenblickt. Klar ist, dass diese Lieder Dokumente aus seiner Zeit sind, in der er sich gegen die Leere stemmte und über deren endloses dunkles Spiegelbild hinweg blickte, um Hoffnung und vielleicht sogar einen Weg nach vorne zu entdecken.

„A Slow Death For The Peacemaker“ (NRR163) von Clang Quartet

Hellsent & BatsauceJIMI FLOSS (Icy Palms Records)

Der Chicagoer Rapper Hellsent und Produzent Batsauce passen perfekt zusammen auf ihrem fesselnden neuen Album JIMI FLOSS, einem tiefen Eintauchen in die Geschichte von Windy City und bitteren persönlichen Erfahrungen. Die Songs besitzen eine Unmittelbarkeit, die ebenso verblüffend ist wie ihre Kürze. Samples sausen in und aus Hörweite, untermalt von minimalistischen Beats und Hellsents Gesprächserzählungen. Die Welt auf JIMI FLOSS ist ein dunkler Ort, aber es gibt Momente des Lichts, die die allgegenwärtige Dunkelheit durchbrechen. Hellsent klingt wie ein vermisster Verbündeter des Wu-Tang-Clans oder ein MF-Doom-Akolyth, als er diese Bars frontal angreift und schwelende Ruinen hinterlässt. Fetzen von jazzigem Klavier und Gitarre sind reichlich vorhanden, unterbrochen von zufälligen Samples und fachmännisch kalibrierten rhythmischen Kollisionen. Hier breiten sich auch entfernte Soul-Echos aus, die kurze Einblicke in Batsauces Einflüsse und die Art und Weise bieten, wie er seine kreativen Prozesse bündelt.

Aber wer ist Jimi Floss? Ist es ein Ersatz für Jimmie Watkins (den Mann hinter Hellsent) oder für jemanden, der die Ereignisse in seinem und Batsauces Leben verkörpert? Was auch immer die Wahrheit sein mag, dieses Album ist voller Bedauern, Wut und dem Wunsch, alle Systeme zu zerstören, die gegen diejenigen arbeiten, die am Rande der Gesellschaft leben. Diese Lieder brüllen von einer aufrührerischen Ehrlichkeit, die im Dienste einer umfassenderen Bitterkeit steht, die aus persönlicher Erfahrung entsteht. Lass alles brennen und beobachte, was aus der Asche aufsteigt. Dennoch lassen sie trotz aller bissigen Gefühle und gelegentlichen Angebereien immer noch Raum für einen Anschein von Hoffnung, eine emotionale Verbindung zur Gemeinschaft und zu den Menschen, die in ihrem Ernst gefangen sind. Die Dinge sind kaputt, aber Jimi Floss könnte genau die Person sein, die Licht auf diese Ungleichheiten werfen und Gerechtigkeit für diejenigen fordern kann, deren Stimmen ungehört bleiben.

JIMI FLOSS von Hellsent & Batsauce

Rotten DogCrazy Monster (Hidden Bay Records)

Chien Pourri wurde 2019 gegründet und kam erstmals zusammen, als die französischen Musiker Maud Cazaux und Iso Couderd begannen, Songs zu entwickeln, die auf ihrer gemeinsamen Zuneigung zu Künstlern wie Portishead und Nico basierten. Indem sie ätherische Landschaften mit strengen elektronischen Pop-Rhythmen vermischten, gaben sie ihrem Wunsch nach, sowohl düster-stimmungsvolle als auch hauchdünne Atmosphären zu erkunden, was in der Aufnahme und Veröffentlichung ihres Debütalbums „Monstre Folle“ gipfelte. Das Album kann in seiner Schönheit rau und labyrinthisch sein, voller Ambient-Wunder und Momente erschütternden melodischen Chaos – es ist völlig experimentell in seinen Ambitionen, behält aber dennoch sein glückseliges (wenn auch oft zusammenbrechendes) Pop-Herz. Es hört sich so an, als wären die Songs ständig im Wandel und Cazaux und Couderd versuchen immer noch herauszufinden, wie sie am besten vorankommen, während sie sie durcharbeiten.

Dies führt jedoch nicht zu einem zögerlichen oder unsicheren Klang; Stattdessen wirkt sich dieses Gefühl der Spontaneität positiv auf die Musik aus und verleiht den Melodien, die als unabhängige emotionale Regulatoren fungieren, noch mehr Komplexität. „Caliban“ schwankt zwischen gebrochenem Ambiente und starken Pop-Intonationen, während „La Nuit“ eine polierte Pop-Flüssigkeit entwickelt und beibehält, einen quecksilbernen Dunst aus sanften Farbtönen und sanften Offenbarungen. „Yellow Sands“ ist ein leicht lautes Pop-Artefakt, und „Tempest“ strotzt nur so vor dröhnenden Geräuschen und erreicht durch diese zyklischen Tonhöhen eine Art Transzendenz. Diese vier Titel ermöglichen es Cazaux und Couderd, der Musik ausreichend Raum zum Aufblühen, Ausdehnen, Zusammenziehen und Abklingen in die Ferne zu geben, eine Erkenntnis des ständigen Bedürfnisses der Musik nach Anpassung und uneingeschränkter Bewegung.

Verrücktes Monster von Chien Pourri

ABADIRMELTING (Ertrunken von Einheimischen)

Wie können wir die Versprechen des Kapitalismus mit der Art und Weise in Einklang bringen, wie er Menschen, Ideen und Kulturen konsumiert, ohne viel Austausch anzubieten? Warum betrachten wir die „gute alte Zeit“ durch eine rosa Brille? Was genau beklagen wir, die Art und Weise, wie es tatsächlich war, oder eine vorgefasste Vorstellung von jugendlichem Optimismus, der sich von der Realität distanziert? „Melting“, ein Album, das im Rahmen von Rami Abadirs Masterarbeit an der Hochschule für Künste Bremen eingereicht wurde, legt nahe, dass jede positive Vorstellung von kapitalistischer Nostalgie von Natur aus fehlerhaft ist. Durch die Kombination von Hunderten von Beispielen aus Fernseh- und Radioarchiven, Werbespots, Filmen und anderen Bereichen der Popkultur ist ABADIRs Langzeituntersuchung der Besessenheit der Menschen von einer verherrlichten Vergangenheit besonders aktuell, da Politiker und andere einflussreiche Personen eine Rückkehr zur „traditionellen“ Welt fordern. Werte und soziale Sitten.

Indem er einen Pool kollektiver Erfahrungen und Erinnerungen durchforstet, versucht er, unsere Kontrolle darüber zurückzugewinnen, was die Vergangenheit tatsächlich darstellt und wie wir versucht haben, über ihre begrenzten Perspektiven hinauszukommen. Er konstruiert dieses enorme Klangpanorama, als wäre jedes Sample ein Instrument, das jedes einzelne in vollem Umfang nutzt, um einer umfassenderen Absichtserklärung zu dienen. Hier gibt es viel Dunkelheit, aber nicht ohne Humor oder gelegentliche Lichtblitze. Schließlich ist die Vergangenheit kein alles verschlingendes Biest, aber sie sollte ohne Scheuklappen oder durch den Blick auf persönliche Erinnerungen, frei von romantisierten Vorstellungen, betrachtet werden. Was ABADIR auf „Melting“ gelingt, ist geradezu bemerkenswert, ein ehrlicher Einblick in die Dinge, die unsere Welt geprägt haben und die weiterhin einen gewissen Einfluss haben. Es handelt sich um ein historisches Artefakt von Bedeutung, das unsere Einsicht in unsere eigene kollektive Geschichte in Frage stellt.

SCHMELZEN von ABADIR

PaszkaLapton(Gin & Platonic)

Der Krakauer Musiker Szymon Sapalski manipuliert seit langem Klänge. Nachdem er zuvor unter seinem Pseudonym Rużaw Alben sowie andere experimentelle Projekte veröffentlicht hatte, betrachtet er die zappeligen Bewegungen und nervösen Ticks seiner elektronischen Kompositionen als Wellenlängen, die es zu erforschen und zu zerlegen gilt. Nervöse Tanzrhythmen und glitzernde Hyper-Pop-Töne beben und beben in relativer Synchronizität und geben ihm Gelegenheit, in ihren nervösen Energien zu schwelgen. Sein neuestes Album als Paszka, Lapton, eine Anspielung auf die Art und Weise, wie seine Großmutter das Wort „Laptop“ immer wieder falsch geschrieben hat, pfropft Elemente moderner Popmusik in eine Reihe gebrochener Kreislaufbeobachtungen ein, die dazu neigen, unabhängig von Sapalskis eigenen Befehlen in ständiger Bewegung zu bleiben.

Das Tempo variiert, aber diese Aufnahmen haben unverkennbar einen tänzerischen Charakter. Zugegebenermaßen kann es bei manchen zu Verletzungen kommen, wenn man versucht, mit ihrem Tempo Schritt zu halten, aber die Absicht, eine körperliche Reaktion hervorzurufen, wird aus den ersten rhythmischen Katastrophen von „Jade“ deutlich, einem Titel, der uns in diese Welt hineinführt, ohne es zu versuchen Impfen Sie uns vor den wahnsinnigen Tanzflächenvertreibungen, die sofort zur Schau gestellt werden. Die Musik wirkt wie ein Sperrfeuer der Sinne und überkommt Sie mit ungefiltertem kreativem Ausdruck. Alles zersplittert und formiert sich dann, kohärent und doch absichtlich hartnäckig darin, zu viel von seinen Absichten preiszugeben. Lapton fungiert als Bewusstseinsstrom von Sapalski, eine temperamentvolle elektronische Bestätigung der Fähigkeit der Musik, taktile Empfindungen sowie flüchtige emotionale Katharsis hervorzurufen.

Lapton von Paszka

Mikrodeform: Bewerten Sie Ihre Lebensprioritäten neu (Liquid Library)

Mitte 2020 stellten viele Musiker fest, dass ihnen aufgrund der anhaltenden Lockdowns im Zusammenhang mit der damals grassierenden COVID-Pandemie viel Freizeit zur Verfügung stand – darunter auch Liam McConaghy, der Architekt hinter der experimentellen Noise-Band Microdeform. Als er sein Archiv mit unveröffentlichtem Material noch einmal durchsah, beschloss er, diese Freizeit damit zu verbringen, vereinzelte Stücke musikalischer Ephemera und Treibholzlieder zu sammeln und zu collagieren. Das daraus resultierende Album „Reassess Your Life Priorities“ ist so etwas wie ein loses Mixtape, das verschiedene Perioden in McConaghys Leben zusammenführt (mit Aufnahmen von 2008 bis 2016) und eine akustische Aufzeichnung der verschiedenen musikalischen Neigungen und Faszinationen schafft, die er in diesen Jahren erforschte.

Der Prozess der Wiederbelebung dieser älteren Lieder wurde für ihn zu einer Art Therapie, die ihm Zeit gab, über ihre Einzigartigkeit nachzudenken und gleichzeitig zu sehen, wie sie in einem gemeinschaftlicheren Kontext funktionieren. Ob Reste früherer Albumsessions oder Ausschnitte von Live-Auftritten, McConaghys Fähigkeit, diese Stücke zusammenzufügen, ohne den Gesamtzusammenhalt zu verlieren, ist nahezu unglaublich. Wenn man von einem Moment zum nächsten wandert, würde man nie vermuten, dass diese Klänge aus verschiedenen Punkten seines Lebens stammen, so groß ist ihre musikalische Konsistenz. Er gleitet zwischen luftigen Ambient-Loops, intuitiven Dancefloor-Nachhall und dissonanteren melodischen Unterstrukturen, ohne dabei die übergreifenden Themen der Neuerfindung und Adaption aus den Augen zu verlieren, die sich durch das gesamte Album ziehen.

Überdenken Sie Ihre Lebensprioritäten mit Microdeform

YuppyCritical Hit(Already Dead Tapes and Records)

Die aus St. Louis stammende Band Yuppy balanciert zwischen verworrenen Rock-Interessen und lauterem Experimentalismus und ist kein Unbekannter für schroffe Riffs und ungeordnete Rhythmen. Auf der Suche nach raueren Umgebungen, in denen sie ihre knorrigen Kollaborationen anbieten können, sind sie sich der beiden nicht fremd. Die aus dem Sänger-Gitarristen Tom Gnau, dem Bassisten Jim Geoffrey, dem Sänger-Gitarristen Anthony Patten und dem Schlagzeuger Michael Highfill bestehende Band zeichnet sich durch ihre kooperativen Prozesse aus, die jedem Mitglied eine Stimme bei der Entwicklung und dem Ausdruck ihrer Songs geben. Ihre neueste Veröffentlichung, die 3-Track-EP Critical Hit, ist zu gleichen Teilen psychedelische Anarchie, Hardrock-Hartnäckigkeit und verbrannte Popmelodie, geschmückt mit apokalyptischen Riffs. Es ist ein rauer und seltsam ehrfurchtsvoller Blick auf ihre Einflüsse und die Art und Weise, wie sie diese Inspirationen in ein ätzendes Gebräu aus schmiedeeisernen Harmonien und tosendem musikalischen Chaos filtern.

„MULTI PASS“ ist ein perfektes Beispiel dafür, wie die Band ein Gleichgewicht zwischen den schroffen Aspekten ihrer Arbeit und denen, die eher melodisch sind, schafft, und ist, wie ich hoffe, auch eine vorübergehende Anspielung auf The Fifth Element. Die Gitarren klingen wellig und muskulös, auch wenn sie mitten im Lied auseinanderzubrechen scheinen. „No“ taucht gleich wieder in eine rasende Gitarrenexplosion ein und geht schließlich in einen beschwingten Pop-Rock-Swing über, bevor er wieder umkreist und zerstörte Landschaften hinterlässt. Sie schließen die EP mit „Ear Drummer“ ab, einem Track, der an die kantige Ästhetik des Post-Punks erinnert und aufsteigende Gesangslinien mit bombastischen Riffs und statischem Hintergrundambiente mischt. Wenn Sie nach dem perfekten Einstieg in ihre wunderbar widerspenstige Rocktheatralik suchen, hören Sie sich einfach Critical Hit an und wissen Sie, dass Sie ziemlich viel Zeit in ihrer Umlaufbahn verbringen werden.

Kritischer Treffer von Yuppy

ABADIRAgnes HausAlready Dead Tapes and RecordsAssassunBardo TodolBatsauceBeam SplitterBen HallBlackjack Illuminist RecordsChien PourriClang QuartetDoom Trip RecordsDrowned By LocalsEmerEvan Lindorff-ElleryFull Spectrum RecordsGin & PlatonicGoodparleyHeejin JangHellsentHidden Bay RecordsIcy Palms RecordsIFS MAJoanna MattreyJoseph BlaneLeaving RecordsLillerne TapesLion MilchLiquid LibraryMedium SoundMicrodeformNo Rent RecordsNotice RecordingsOhrOpal TapesOrb TapesOutlinesPaszkaShreddiesSound as LanguageSpherule TrioSteep GlossSubmarine Broadcasting CompanySuperpolar TaïpsTripticks TapesUtonYuppy

Musikliebhaber und Vinyl-Fanatiker. Geht oft ausführlich über seine Liebe zu X-Ray Spex und Bee Gees bis hin zu völlig Fremden. Vermutlich weiß er weniger über Musik, als er denkt.