Rezension: „Light & Space“ bei Copenhagen Contemporary

Sep 16, 2023

Die epische Gruppenausstellung „Light & Space“ ist bis zum 4. September zu sehen und erkundet die Vergangenheit und Gegenwart der ikonischen Licht- und Installationskunstbewegung. Es ist körperlich, emotional, körperlich und desorientierend

Die Ausstellung „Light & Space“ bei Copenhagen Contemporary ist in Größe und Umfang episch. „Es wird in jeder Hinsicht GROSS sein!“, erklärte das internationale Kunstzentrum vor seiner Eröffnung am 2. Dezember 2021. Mit einer Fläche von 5.000 Quadratmetern und Kunstwerken von 27 Künstlern ist es die größte Ausstellung aller Zeiten für den Sechsjährigen Institution sowie die umfassendste Präsentation von Künstlern der einflussreichen Licht- und Installationskunstbewegung (Light and Space), die in den 1960er Jahren in und um Los Angeles entstand.

Von James Turrells immersivem, ortsspezifischem Aftershock, 2021, bis hin zu Doug Wheelers LC 71 NY DZ 13 DW, 2013, einer beleuchteten Glasfaserkuppel mit 20 m Durchmesser, die Ausstellung ist monumental und beeindruckend. Doch die wahre Kraft von „Light & Space“ liegt in seiner Intimität. Sie erleben die Kunstwerke körperlich und emotional. Einige sind vergänglich und einhüllend, wie Helen Pashgians Untitled, 2021, eine gegossene Epoxidlinse, die durch einen sich verstärkenden Lichtzyklus beleuchtet wird. Andere sind desorientiert, wenn sie nicht konfrontativ sind. In Eric Orrs „Zero Mass“ (1972-73) bildet ein ovaler, mit Fotopapier ausgekleideter Raum einen Hohlraum, der so dunkel ist, dass er Ihren Körper überempfindlich macht, da Ihre Augen außer Betrieb sind.

Doug Wheeler, LC 71 NY DZ 13 DW, 2013. Verstärktes Fiberglas, flachweißer Titandioxid-Latex, LED-Licht und DMX-Steuerung. © Doug Wheeler Mit freundlicher Genehmigung von David Zwirner.

„In all diesen Arbeiten steckt eine Präzision, die äußerst faszinierend ist, weil sie mit Taktilität, dem körperlichen Erlebnis, gepaart ist.“ Auch wenn einige der Arbeiten kalt wirken können, ist das nicht der Fall, denn sie sind immer in einem Körper verankert“, sagt Marie Nipper, Direktorin von Copenhagen Contemporary. Oder wie die Künstlerin Lita Albuquerque sagt: „Sie werden Teil des Werks.“

Albuquerque war vor Ort, um die Materia Prima nachzubilden, die erstmals 1979 in Venice Beach präsentiert wurde, und sagte, sie habe geweint, als sie das Cadmiumgelbpigment auf dem Salzbett verteilte. „Es hat etwas Verletzliches und Schönes, völlig in Farbe einzutauchen.“ Das heute 75-jährige Albuquerque trat in den 1970er Jahren inmitten der Bewegung, die manchmal als kalifornischer Minimalismus bezeichnet wird, in die Kunstszene ein. Seitdem erforscht sie unsere Beziehung zum Kosmos voller Staunen und Optimismus. Sie betrachtet die Light and Space-Bewegung eher als prophetisch denn als Artefakt. „Mir wird immer klarer, dass es sich um eine tiefgreifende Bewegung handelt.“ Für mich war 2021 ein entscheidendes Jahr. Die Light and Space-Bewegung fühlt sich genauso an, als wäre sie ein Scharnier, und es gibt etwas wirklich Mächtiges, das sich erst noch entfalten muss.“

Lita Albuquerque, Solar Reset (2021). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Peter Blake Gallery. Materia Prima (1979/2021). Mit freundlicher Genehmigung der Peter Blake Gallery und des Künstlers. Installationsansicht Light & Space, Copenhagen Contemporary, 2021.

Ihr Geist durchdringt die Show, eine Salbe für eine pandemiemüde Welt, aber auch eine forensische Neubewertung einer Bewegung, die oft eng durch ihre prominenten männlichen Figuren und Werke definiert wird, die wegen ihrer hochglanzpolierten Oberflächen als „Finish-Fetisch“ bezeichnet werden. „Wir wollten nicht die offensichtliche Light and Space-Show machen, die es schon früher gab.“ „Wir wollten den Kreis der Künstler um neue Frauen und Männer erweitern und das Spektrum erweitern“, sagt Nipper. „Die Light and Space-Bewegung ist nicht nur von oberflächenorientierten Werken geprägt, es gibt auch das, was ich organischen Minimalismus nenne, der sich an der Landschaft oder an der Malerei in erweiterten Bereichen orientiert.“

Der Kontext war entscheidend. Nipper wollte Werke aus dieser Zeit angemessen darstellen und ihren Einfluss demonstrieren, indem er sie in einen zeitgenössischen Rahmen mit europäischen Künstlern stellte. Es bedeutete, kaum dokumentierte Künstler und Werke wiederzuentdecken und vor Ort nachzubilden. Ein sehr bewusster Prozess, sagt sie. 2019 unternahm sie eine Forschungsreise durch die USA, besuchte Institutionen und Ateliers, traf Künstler und ging sogar mit dem Quäker James Turrell in die Kirche. „Das war eigentlich der Anfang der Forschung.“ Zurück in Kopenhagen brüteten Nipper und ihr Ausstellungsteam unter der Leitung von Jannie Haagemann über spärliche Primärquellen, wie zum Beispiel frühere Ausgaben von Artforum, in denen es um „Happenings“ ging, oft ohne Bilder. Es ermöglichte ihnen, eine differenziertere Perspektive auf die breitere Gruppe zu gewinnen, die dieses „wirklich erstaunliche Zeug“ herstellte, das damals mächtig, aber seitdem weitgehend vergessen war.

Elyn Zimmermans eindringliches Werk „Untitled“ (1974) ist ein solches Werk. Der minimalistische Ausdruck von Material und Immaterialität wird zum ersten Mal seit 1974 gezeigt und besteht aus Schatten, die Halogenlampen auf Glasscheiben werfen.

Robert Irwin, Ohne Titel (1965-67). Mit freundlicher Genehmigung der Dia Art Foundation; Geschenk von Milly und Arne Glimcher. © Robert Irwin Light & Space, Copenhagen Contemporary, 2021.

Diese Verpflichtung, eine so repräsentative Ausstellung zu veranstalten, die wahrscheinlich die größte jemals in Europa war, bedeutete auch, dass Copenhagen Contemporary wertvolle wegweisende Werke aus wichtigen Sammlungen sichern konnte. Die Dia Art Foundation hat Robert Irwins Untitled, 1965–67 geliehen, eine bemalte konvexe Aluminiumscheibe, die von vier Lichtern beleuchtet wird, die die Wahrnehmung des Objekts und seiner überlappenden Schatten verzerren. Irwins frühe Wahrnehmungswerke inspirierten den Namen der Bewegung. In einem Katalogaufsatz aus dem Jahr 1966 beschreibt der Gründungsherausgeber von Artforum, Philip Leider, seine Kunst als „Erfahrung von Raum und Licht“ und prägte damit den Begriff, der später in einer Ausstellung im Jahr 1971 verankert wurde.

Die historischen Werke wirken noch stärker, wenn sie mit zeitgenössischen Werken von Olafur Eliasson oder Ann Veronica Janssens kombiniert werden. Es gibt ein klares Kontinuum. Anish Kapoor ist für seine lichtabsorbierenden Hohlräume bekannt, aber sein blau pigmentiertes Void aus dem Jahr 1993 liest sich anders, wenn man es mit einem Werk vergleicht, das Albuquerque anderthalb Jahrzehnte zuvor entworfen hatte.

Als Fred Eversley, ein Elektroingenieur, der am Projekt Gemini (einem frühen Programm zur bemannten Raumfahrt der NASA) arbeitete, Ende der 1960er Jahre begann, mit Gießharz herumzuspielen, war es ein aufregendes neues Material. Doch die beiden Skulpturen des 80-jährigen Künstlers, Untitled (parabolische Linse), 1971, in Violett, Bernstein und Blau, und das tiefschwarze Untitled (parabolische Linse), 1976, so undurchsichtig wie erstere durchscheinend, sind ebenso verführerisch wie alles, was heute in diesem Medium hergestellt wird. Eversley führt dies auf die Kraft der Parabel zurück, die er im Alter von 15 Jahren zum ersten Mal mit einem alten Plattenspieler und Wackelpudding herstellte, nachdem er in einem Wissenschaftsmagazin davon gelesen hatte. „Die Parabel, die meine Form ist, ist die einzige Form, die alle Energieformen auf einen einzigen Brennpunkt konzentriert.“ Er bezeichnet seine Skulpturen als Bewegungskunst ohne bewegliche Elemente. So lässt sich die gesamte Ausstellung treffend beschreiben.

Jeppe Hein, 360° Illusion II (2007). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers, KÖNIG GALERIE, Berlin, 303 GALLERY, New York, und Galleri Nicolai Wallner, Kopenhagen. „Licht & Raum“, Copenhagen Contemporary, 2021.

Robert Irwin, Licht und Raum (2007). Sammlung Museum für zeitgenössische Kunst San Diego; Museumskauf mit Mitteln der Annenberg-Stiftung, 2007. © Robert Irwin 'Light & Space' Copenhagen Contemporary, 2021.

Judy Chicago, Frauen und Rauch, Kalifornien (1971–1972). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Salon 94, New York; Jessica Silverman Gallery, San Francisco; Durch den Blumenkunstraum; ARS, New York. © Judy Chicago Installationsansicht Light & Space, Copenhagen Contemporary, 2021.

Eier (1972/2021) Keramikeier und Quarzsand. Abmessungen variabel. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

INFORMATION

„Light & Space“, bis 4. September 2022, Copenhagen Contemporary. copenhagencontemporary.org

ADRESSE

Refshalevej 173A1432 Kopenhagen

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